Por Mark Frieser. Hoy en día, la industria musical coreana tiene una influencia desproporcionada a su tamaño de mercado y población, y se ha consolidado como un fenómeno global.
Pero, ¿cómo lo lograron? ¿Cómo se convirtió el K-Pop en un gigante internacional? La respuesta radica en una combinación de factores y decisiones creativas, de mercado y estratégicas, cuya suma dio origen a una industria sostenible orientada a la exportación, construida sobre las cenizas de un mercado musical nacional devastado.
En esta serie, analizaremos la historia del mercado musical coreano, desde su colapso a principios de siglo hasta su resurgimiento, crecimiento y continua evolución en la era de la IA, y cómo las lecciones de la industria musical coreana pueden aplicarse a su negocio.
Entremos en materia.
Parte I: La necesidad fue la madre de la reinvención.
Entre 2000 y 2005, el valor del mercado de música grabada en Corea se redujo en casi dos tercios. Esta caída fue mucho más pronunciada que en el resto del mundo, debido principalmente al uso masivo de redes de intercambio de archivos para piratear música, lo que provocó un desplome en las ventas físicas de casetes y CD. El único aspecto positivo fue que, gracias a la adopción del intercambio de archivos y la temprana generalización de la banda ancha, el mercado coreano fue uno de los primeros en adoptar las descargas digitales legales de música a gran escala, y para 2006, más de la mitad de los ingresos de la industria de la música grabada provenían de las descargas digitales.
Y, si bien el intercambio de archivos fue el factor principal en el colapso del mercado musical coreano, hubo otros factores en juego, como la excesiva dependencia de los consumidores más jóvenes, la saturación del mercado nacional de ídolos, la disminución del poder adquisitivo después de la crisis financiera asiática y un cambio más amplio en la forma en que se distribuía y consumía la música, pasando de las tiendas físicas a las plataformas en línea, todo lo cual debilitó la posición de los actores del mercado en ese momento.
Esto es realmente importante, porque si el colapso se debiera únicamente a la piratería, la principal respuesta de la industria probablemente se habría limitado a litigios y medidas coercitivas como en Estados Unidos, y todos sabemos lo mal que salió eso.
Fue entonces cuando la industria musical coreana vio la necesidad de reorientar sus esfuerzos hacia la creación de un modelo centrado en el artista, donde el artista y su música estuvieran en el centro de una cadena de valor que incluye: presentaciones; servicios de música móvil; patrocinios; apariciones y programas en televisión y plataformas de streaming; largometrajes; merchandising; licencias; acceso e interacción de los fans con los artistas y su música.
La clave de este modelo reside en el desarrollo de relaciones de alta calidad y de fidelidad entre artistas y fans, y en la creación de tantas formas diferentes como sea posible de monetizar estas relaciones.
Rompiendo el techo de cristal doméstico
Veinte años después, Corea se ha convertido en un importante mercado musical interno. Según la IFPI, en 2025 será el octavo mercado de música grabada más grande del mundo y seguirá creciendo. Sin embargo, con una población de 50 millones de habitantes, el mercado coreano por sí solo no tiene el tamaño suficiente para ofrecer un retorno de la inversión (ROI) a artistas cuyo desarrollo requiere años de formación, costosas producciones de vídeo, grandes equipos creativos y una intensa promoción.
Solo el mercado global tiene el potencial de proporcionar un ROI máximo.
Esta necesidad de globalizarse para maximizar el retorno de la inversión generó una mentalidad estratégica fundamentalmente distinta a la de las empresas musicales centradas en un público nacional más amplio. Para Corea, el éxito internacional es un objetivo estratégico primordial, no un objetivo secundario como en Japón o Estados Unidos. Y para alcanzar ese objetivo, el éxito internacional debía considerarse desde el principio: durante la selección de personal, la formación, la composición, la enseñanza de idiomas, la producción, el desarrollo visual y la planificación de mercado.
Esta fue una decisión consciente tomada a nivel estratégico, y los primeros proyectos basados en este modelo fueron diseñados para la exportación a mercados vecinos como China, Taiwán, el este de Asia y, especialmente, Japón, el segundo mercado musical más grande del mundo.
El mejor ejemplo de esto es la artista BoA. Debutó en Japón en 2001 tras aprender el idioma y la cultura japonesa para triunfar en el mercado japonés. Su álbum en japonés, Listen to My Heart, se convirtió en un gran éxito comercial y la consagró como una de las primeras artistas coreanas en forjar una carrera duradera en Japón. Fue la primera artista coreana cuyo repertorio, idioma y estrategia promocional se desarrollaron en torno a la exportación a Japón, y fue este enfoque orientado a la exportación lo que fue, y sigue siendo, la clave de su éxito en ese país.
En un contexto más amplio, BoA proporcionó a la industria musical coreana una prueba de concepto: una empresa coreana podía desarrollar un artista capaz de alcanzar el éxito masivo en otro país mediante la creación y comercialización estratégica de su música para el público musical de ese mercado.
El modelo de desarrollo de mercado internacional y exportación se aplicó posteriormente con éxito a otros muchos artistas, como TVXQ, Girls’ Generation, BIGBANG, Psy, CL, Epik High, G-Dragon y 2NE1, quienes lograron grandes audiencias en toda Asia y notables bases de fans en Europa y América, incorporando un sonido internacional, alta costura y fuertes identidades individuales de sus miembros.
Podría decirse que el primer gran éxito del K-Pop a nivel de mercado masivo global fue el de «Gangnam Style» de Psy, un éxito mundial que encabezó las listas de éxitos en más de 30 países y fue el primer vídeo en alcanzar más de mil millones de visualizaciones en YouTube.
Todo esto fue el preludio del éxito mundial de BTS y BLACKPINK, quienes extendieron el modelo de exportación regional a nivel global, con equipos de gestión que trabajaban para desarrollar artistas con atractivo internacional y comercializarlos con estrategias específicas para audiencias en Japón, Asia Oriental, China, Taiwán, Europa, América Latina y Estados Unidos, centrándose en cada mercado local y ofreciendo plataformas, sistemas de medios y oportunidades comerciales dirigidas a audiencias específicas.
En una generación, la música coreana pasó de ser un producto secundario exportado casi exclusivamente a Japón en 2001 a un producto cuyos principales mercados en 2026 son, por orden de ventas, Estados Unidos, China y Japón. Y si se suman estas ventas a las de streaming, eventos en vivo y merchandising, según las cifras del mercado coreano, los ingresos totales por exportaciones de la música coreana alcanzaron aproximadamente los 2400 millones de dólares en 2025, un aumento del 32,4 % con respecto a los 1800 millones de dólares de ingresos de 2024. Son cifras realmente impresionantes.
Además, el mercado internacional de exportación de música tiene un impacto significativo, sostenible y creciente en el PIB de Corea, especialmente cuando se combina con el turismo impulsado por el K-Pop.
Pero el desarrollo y la comercialización de artistas con orientación internacional eran solo una parte de esta estrategia, una estrategia que habría sido imposible sin el apoyo gubernamental.
PARTE II: Somos del gobierno y estamos aquí para ayudar.
Algunos describen el K-Pop como una iniciativa principalmente gubernamental, pero eso es una gran exageración. Lo cierto es que, sin el apoyo estratégico del gobierno coreano, los esfuerzos de la industria musical por crear un negocio orientado a la exportación quizás nunca se habrían materializado.
El cambio de enfoque del gobierno comenzó en 1997, tras la crisis financiera asiática, cuando empezó a considerar el contenido cultural como una fuente potencial de exportaciones, empleo, influencia internacional y diversificación económica. Esta visión se formalizó en 1999 con la promulgación de la Ley Marco para la Promoción de la Industria Cultural, que brindaba apoyo público específico a la producción, financiación y exportación cultural. A partir de entonces, el gobierno se esforzó por fortalecer las instituciones públicas y privadas; las políticas de derechos de autor; la infraestructura de banda ancha; y los programas de promoción internacional dirigidos a la música, los videojuegos, la televisión, el cine, la animación y otras industrias de contenido.
Este apoyo a las industrias culturales se reforzó aún más en 2009 con la creación de la Agencia Coreana de Contenido Creativo (KOCCA), cuyo objetivo es respaldar la producción, distribución, investigación, desarrollo de personal, expansión internacional y desarrollo tecnológico en el sector del contenido. El Ministerio de Cultura, Deportes y Turismo de Corea ha descrito explícitamente el modelo de KOCCA como «liderado por el sector privado y respaldado por el gobierno».
Y este es un punto importante, porque si bien el gobierno apoya los esfuerzos de la industria musical, son los artistas y la industria creativa quienes componen las canciones, forman y desarrollan a músicos como BTS y BLACKPINK, y asumen los principales riesgos creativos y financieros. Empresas como SM Entertainment, YG Entertainment, JYP Entertainment, BigHit, HYBE y un amplio ecosistema de artistas, managers, coreógrafos, productores y emprendedores construyeron y desarrollaron el K-Pop hasta convertirlo en lo que es hoy.
Y aunque el gobierno coreano no planificó centralmente los grupos de pop como lo haría con los astilleros o la producción de acero, aplicó parte de la misma lógica de desarrollo que había ayudado a construir su economía industrial: identificar sectores estratégicamente valiosos; invertir en infraestructura y capacitación; apoyar las exportaciones; crear instituciones especializadas; y alentar a las empresas a competir internacionalmente.
Y esta estrategia hizo algo más que impulsar el mercado musical; también contribuyó a aumentar el conocimiento cultural internacional de la marca Corea .
Una encuesta gubernamental de 2024 reveló que el K-Pop era la música que los encuestados en el extranjero asociaban con mayor frecuencia a Corea: un 17,2% en general y un 23,1% entre adolescentes y personas de entre 20 y 30 años. Esta familiaridad con la cultura coreana, impulsada por el K-Pop, fue el catalizador de un creciente interés por todo lo coreano, ya que el 57,9% de los encuestados afirmó que su consumo de K-Pop influyó en su interacción con categorías relacionadas, como la comida, los cosméticos y la ropa.
La estrategia coreana para impulsar el talento artístico global.
Hasta ahora nos hemos centrado en la historia, la estrategia y la importancia del mercado de exportación de música coreana, pero al fin y al cabo, sin un desarrollo estratégico a largo plazo de la creatividad y los artistas, no existiría ningún mercado para la música coreana.
Hablemos entonces de cómo el proceso de desarrollo artístico coreano difiere del enfoque occidental.
Tradicionalmente, las discográficas occidentales buscan artistas que ya hayan forjado su identidad, compuesto canciones, actuado localmente o cultivado una audiencia.
Si bien las compañías discográficas coreanas también recurren a este método con algunos artistas, la mayoría son reclutados en función de su potencial de desarrollo y, posteriormente, formados como intérpretes mediante un extenso proceso interno.
Lee Soo-man, fundador de SM Entertainment, describió este enfoque como “ tecnología cultural ”: un sistema que abarca reclutamiento, capacitación, producción, presentación y localización. Los aprendices pasan años estudiando canto, baile, actuación, idiomas extranjeros, oratoria, presentación en medios y las exigencias de la vida bajo el constante escrutinio en línea.
El sistema suele ser criticado, a veces con razón, por la intensidad de su control, la desigualdad en los contratos y las exigencias físicas y psicológicas que impone. Sin embargo, como aspecto positivo, ofrece a la industria musical coreana una plataforma para crear artistas con potencial de exportación internacional y comercialización.
Un miembro de un grupo o artista de K-Pop exitoso a nivel mundial debe hacer más que simplemente cantar y componer canciones. Como parte del proceso de desarrollo, un artista puede necesitar realizar coreografías complejas mientras canta, participar en entrevistas en varios países en el idioma local de cada país, interactuar continuamente con los fans en persona y en redes sociales, representar y promocionar marcas globales, mantener una identidad pública claramente definida y funcionar dentro de un grupo cuyos miembros deben ser reconocibles individualmente pero coherentes colectivamente.
Es poco probable que un artista de ese tipo surja tras unos pocos meses de trabajo por parte del departamento de A&R de una discográfica.
La enseñanza de idiomas es particularmente importante. Las generaciones anteriores aprendieron japonés y mandarín, ya que las empresas coreanas se centraban en Asia. El inglés adquirió cada vez más relevancia a medida que la industria se expandía hacia el mercado estadounidense y las plataformas digitales globales. Muchas canciones exitosas ahora emplean la alternancia de códigos, utilizando versos en coreano junto con títulos, estribillos y ganchos en inglés. Un estudio reciente de canciones de K-Pop que aparecen en las listas Billboard Hot 100 y Global 200 reveló un uso extensivo del inglés y sugirió que un mayor uso de este idioma es particularmente importante para el éxito en las listas estadounidenses.
La estrategia de desarrollo artístico no solo combina estos elementos, sino que también influye en la composición del grupo, la nacionalidad de los miembros, la coreografía, el estilismo, el momento del lanzamiento, el contenido en redes sociales y las colaboraciones promocionales.
BLACKPINK encarna este modelo. Sus integrantes, Jisoo, Jennie, Rosé y Lisa, tienen orígenes coreanos, tailandeses, australianos y neozelandeses, conformando un grupo cuya música fue producida con productores internacionales y con un enfoque orientado a la exportación.
De igual forma, BTS, cuyos miembros Jin, Suga, J-Hope, RM, Jimin, V y Jung Kook son todos coreanos, utilizan música híbrida en coreano e inglés y productores internacionales, al tiempo que construyen relaciones directas con los fans internacionales a través de vídeos subtitulados, comunicación en redes sociales y una gran cantidad de contenido accesible, impulsando así su enorme éxito internacional.
Parte III: Producción de K-Pop: La clave de los éxitos mundiales
Uno de los factores más importantes del éxito del K-Pop es su composición y producción musical. El sonido del K-Pop se caracteriza por ser una fusión de los mejores elementos del pop coreano, japonés, sueco, europeo y estadounidense, que se combinan para crear un producto final único, emocionante y accesible para fans de todo el mundo.
Las compañías discográficas coreanas han invertido mucho tiempo y esfuerzo en la búsqueda de composiciones, demos, melodías y producción de autores en Suecia, Estados Unidos y otros países. Estos elementos son luego adaptados, recombinados y dirigidos por equipos de A&R, productores y ejecutivos coreanos, antes de ser combinados con el concepto y la personalidad vocal del grupo.
En efecto, las compañías musicales coreanas han creado una red de producción internacional donde las diferentes etapas del desarrollo creativo tienen lugar en distintos países, mientras que las empresas coreanas conservan el control sobre el producto final y su posicionamiento.
Los productores suecos han sido especialmente influyentes en el desarrollo del K-Pop. La adopción por parte del K-Pop de lo que podría denominarse, en términos generales, la Escuela de Producción y Composición de Max Martin , con su enfoque industrial compartido y basado en el trabajo en equipo para crear una sólida arquitectura melódica, melodías especializadas, composición colaborativa y producción técnicamente precisa, es un factor significativo en el éxito del desarrollo musical del K-Pop y sirvió de base para el desarrollo de su producción y composición.
Más allá de la influencia sueca, los productores y compositores coreano-estadounidenses han sido fundamentales para crear el sonido que ha catapultado al K-Pop a la fama mundial. Gracias a su conocimiento de la cultura y la música estadounidenses, así como del desarrollo de artistas coreanos, han actuado como un importante puente artístico entre Corea y el mercado internacional.
Teddy Park y Jay Park son dos de los ejemplos más destacados de coreano-estadounidenses que han dado forma al sonido del K-Pop.
Teddy Park es uno de los productores de éxitos más consistentes de Corea. Coreano-estadounidense, creció en Nueva York y Los Ángeles, y comenzó su carrera en la música coreana tras ser descubierto por Yang Hyun-suk, fundador de YG. Su estilo de producción incorpora elementos de R&B, hip-hop, pop, dance y house.
Alcanzó el éxito por primera vez a finales de la década de 1990 como miembro del grupo 1TYM, donde se desempeñaba como rapero y artista. Tras la pausa de 1TYM, se convirtió en uno de los artífices del sonido de YG Entertainment, contribuyendo al desarrollo de artistas como Seven, BIGBANG, 2NE1, G-Dragon y BLACKPINK.
Con BLACKPINK, produjo éxitos como Whistle , Boombayah , Playing with Fire , As If It’s Your Last , Ddu-Du Ddu-Du , How You Like That , Forever Young, Stay, además de producir su álbum The Album .
También fundó The Black Label, firmando a Zion. T , Meovv , y escribiendo/produciendo canciones clave en la banda sonora de K-Pop Demon Hunters , incluyendo Golden y How’s It’s Done , ganando un Grammy a la Mejor Canción Escrita para Medios Visuales y un Premio de la Academia a la Mejor Canción Original con Golden . En definitiva, si tuvieras que elegir a una persona como la más responsable del sonido del K-Pop, probablemente sería Teddy Park.
Y luego está Jay Park. Jay Park creció en Edmonds, Washington, cerca de Seattle, y es rapero, intérprete, cantautor, bailarín y, sin duda, una de las personas que ha contribuido a dar a conocer la cultura K-Pop al mundo. Miembro del grupo de breakdance Art of Movement , con sede en Seattle, fundó el influyente sello de hip-hop AOMG , cofundó el sello H1GHR MUSIC con el propósito declarado de conectar a artistas de hip-hop y R&B coreanos y estadounidenses, y fundó el sello More Vision . Su trabajo ayudó a ampliar los canales a través de los cuales el talento coreano y coreano-estadounidense podía colaborar más allá del negocio convencional de los ídolos.
A su manera, Teddy Park y Jay Park son figuras clave en la creación del K-Pop actual, tanto a nivel creativo como práctico. Lo lograron fusionando lo mejor de la música y la identidad estadounidenses y coreanas para crear un sonido inconfundible.
Parte IV: El artista como propiedad intelectual: Un negocio musical integrado verticalmente
En Occidente, la industria musical tiende a considerar varias actividades como distintas: las discográficas graban y comercializan música; los agentes contratan actuaciones; los promotores venden entradas para conciertos; las empresas de merchandising fabrican y venden ropa y accesorios para los fans; los clubes de fans gestionan las membresías; y las empresas tecnológicas operan plataformas. Y aunque ha habido cierta integración y colaboración entre empresas y sectores, en general, estas responsabilidades constituyen negocios independientes.
El modelo coreano es diferente. Las compañías discográficas coreanas integran verticalmente estas actividades comerciales de forma integral en torno a la propiedad intelectual de cada artista.
Las compañías discográficas coreanas suelen gestionar todos los aspectos de la carrera de un artista, incluyendo grabaciones, publicación, conciertos, patrocinios, televisión, merchandising, membresías, transmisiones en vivo, comunicación con los fans y contenido relacionado. Desde su perspectiva, un artista debe ser gestionado simultáneamente como artista de grabación, atracción de giras, influencer en redes sociales, embajador de moda, marca de merchandising, franquicia de videos y líder de una comunidad de fans.
Esta gestión rigurosa de cada aspecto de la relación entre el artista y el fan permite una mejor conexión con los fans, lo que fomenta una mayor fidelidad, el crecimiento de la audiencia y genera mayores ventas a los fans.
Un ejemplo de esto es Weverse de HYBE . En Weverse , los fans pueden unirse a comunidades de artistas, ver vídeos en directo y archivados, comprar membresías, comunicarse con los artistas, adquirir álbumes y productos, recibir mensajes directos y acceder a servicios de venta de entradas o eventos, todo en un único portal, personalizado a su idioma nativo y a sus sistemas de pago preferidos.
Parte V: El K-Pop llena el vacío en los grupos masculinos y femeninos internacionales
Otro factor, aunque fortuito, fue que el K-Pop surgió en el momento justo para atender un segmento importante del mercado de la industria musical abandonado por las industrias musicales de Estados Unidos y el Reino Unido: los preadolescentes, adolescentes y jóvenes adultos fans de grupos de pop femeninos y masculinos.
A finales de los 90 y principios de los 2000, la música pop estuvo dominada por grupos masculinos y femeninos de gran éxito internacional como Backstreet Boys, *NSYNC, Take That, East 17, Spice Girls y Destiny’s Child. Estas bandas contaban con un público masivo y un éxito constante, pero a principios de los 2000, la industria musical occidental dejó de producir grupos de este tipo, lo que dejó un gran vacío en el mercado que la industria musical coreana aprovechó para llenar.
Aunque esto no fue planeado por la industria musical coreana, no obstante, fue y sigue siendo un factor muy importante en el éxito del K-Pop.
Esto se debe a que, a pesar de las acciones de la industria musical en Occidente, el público subyacente de los grupos de pop masculinos y femeninos nunca desapareció. Los jóvenes fans, desde preadolescentes hasta veinteañeros, seguían teniendo un deseo reprimido de grupos de pop con miembros de los que pudieran enamorarse, obsesionarse, aspirar a ser como ellos, identificarse con ellos, copiar sus pasos de baile, conectar con sus vídeos, sus redes sociales, sus historias de amistad, tener sus miembros favoritos y obtener el sentido de pertenencia que proviene de formar parte de un fandom.
Todavía me asombra que Occidente abandonara este segmento de mercado tan importante y lucrativo. Mientras que la industria pop occidental se centraba en solistas, la industria musical coreana ofrecía a los fans grupos pop y rediseñó el formato de grupo para la era de los superfans digitales.
Un grupo genera más puntos de afinidad con el fandom que un artista solista. Un fan se identifica con el rapero, otro con el vocalista principal, otro con el mejor bailarín o con el miembro conocido por su humor, estilo o franqueza. El concepto de elegir un «bias» —un miembro favorito— permite a los fans desarrollar un vínculo muy personal sin dejar de formar parte del fandom colectivo, y todos los grupos importantes de K-Pop coreano cuentan con miembros que encarnan algunos o muchos de estos elementos.
Un mayor número de miembros también genera combinaciones más creativas y mayor potencial de colaboración, más imágenes coleccionables, más oportunidades de patrocinio y más historias. Cada ensayo, entrevista, transmisión en vivo, grabación tras bambalinas e interacción entre los miembros se convierte en material a través del cual los fans pueden profundizar su relación con el grupo.
Numerosos estudios de audiencia a gran escala respaldan la importancia de estos públicos fieles. Un estudio de 2025 reveló que el crecimiento internacional del K-Pop fue impulsado de manera desproporcionada por un grupo relativamente concentrado de oyentes asiduos, más que en otros géneros musicales. El K-Pop se globalizó inicialmente porque un número reducido de fans escuchaba, compartía, traducía, organizaba y compraba productos relacionados con los artistas con una intensidad extraordinaria.
En un concierto de K-Pop, el modelo económico se hace visible incluso antes de que empiece el espectáculo. Los jóvenes fans llegan con sus padres, portando barras luminosas y luciendo productos oficiales; hacen cola para conseguir artículos exclusivos, intercambian tarjetas fotográficas y conocen las historias individuales de los miembros. La compra comienza con la entrada y, de forma natural, se extiende a otros tipos de compras.
El padre o el fan que compra la entrada adquiere posteriormente la varita luminosa, el álbum, la camiseta de edición limitada, el póster firmado y los accesorios, actuando la actuación como catalizador para la participación financiera en el ecosistema de propiedad intelectual del artista.
Pude comprobar esta diferencia de primera mano un fin de semana de 2019, cuando dos grupos femeninos con los que había trabajado anteriormente, Perfume de Japón y BLACKPINK de Corea, actuaron en la ciudad de Nueva York.
Primero, el concierto de Perfume. Me encanta Perfume. Son un gran trío femenino de J-pop producido por uno de los mejores productores japoneses del sector, Yasutaka Nakata. Dieron un concierto con entradas agotadas en un recinto con capacidad para 3500 personas. Había un par de mesas donde se podían comprar camisetas y recuerdos como folletos y llaveros. El público rondaba los 20-45 años, en su mayoría hombres que parecían un poco demasiado obsesionados con la cultura pop japonesa.
Fue un gran espectáculo, pero desde el principio se notaba que era una versión del show que suelen presentar para el mercado japonés. Un gran espectáculo de luces, bailes divertidos y algunos intentos bastante forzados de hablar fonéticamente en inglés e interactuar con los fans. Una de las integrantes entiende algo de inglés, pero las otras dos casi nada, así que la interacción con los fans fue muy limitada. El público quedó satisfecho con el show y fue divertido, pero el atractivo internacional de Perfume se ve limitado por su enfoque en el mercado nacional.
Al día siguiente, fui con dos amigas al concierto de BLACKPINK. Fue en un estadio con capacidad para 20.000 personas. Las entradas estaban agotadas. Desde el momento en que entrabas al estadio, había imágenes de las integrantes del grupo por todo el recinto y varios puntos de venta de productos de BLACKPINK. En cada puesto de merchandising había largas filas de preadolescentes con sus padres y adolescentes con sus amigos comprando artículos exclusivos, ropa, accesorios, varitas luminosas, CDs, álbumes y otros artículos por un valor de entre 100 y 200 dólares.
¿Y el público? Principalmente preadolescentes con sus padres y grupos de adolescentes y jóvenes adultos con sus amigos. Y luego está el espectáculo. Fue todo un espectáculo. Tocaron sus éxitos e interactuaron con el público en un inglés fluido. Invitaron a Dua Lipa al escenario para interpretar a dúo su canción » Kiss and Make Up» . Uno de ellos tocó el piano. La gira, que se extendió de 2018 a 2020, recaudó 56,7 millones de dólares.
Esta es la diferencia entre crear un grupo de pop exitoso para el consumo nacional y uno con un atractivo verdaderamente global, y pone de manifiesto por qué el K-Pop tiene tanto éxito a nivel internacional.
Corea llenó el vacío dejado por los grupos masculinos y femeninos y mejoró el formato, combinando el atractivo emocional de los grupos occidentales anteriores con la cultura del coleccionismo, la disciplina escénica coreana y la interacción continua a través de las redes sociales globales y las plataformas de fans.
Parte VI: ¿Se puede replicar el modelo K-Pop en otros mercados?
La prueba más contundente del éxito del K-Pop reside en que su modelo se está utilizando ahora en otros mercados para desarrollar artistas internacionales de éxito. Grupos como XG en Japón y Katseye en Estados Unidos están adoptando en gran medida el modelo del K-Pop, caracterizado por un entrenamiento intensivo, el canto en varios idiomas, coreografías elaboradas, una producción de alta calidad, moda, merchandising, patrocinios, interacción y presencia en redes sociales, y están cosechando un considerable éxito internacional.
También está el ejemplo de K-Pop Demon Hunters, la exitosa película de animación estadounidense distribuida por Netflix. Teddy Park coescribió y coprodujo canciones clave, la composición y la interpretación estuvieron a cargo de numerosos artistas internacionales, y gran parte de su éxito a nivel mundial se debió a la popularidad y el interés que existía por el contenido relacionado con el K-Pop.
Y las cifras no mienten. La película generó 482 millones de visualizaciones en Netflix durante la segunda mitad de 2025. Su banda sonora alcanzó el tercer puesto en la lista mundial de álbumes de la IFPI, y el tema Golden del grupo ficticio HUNTR/X quedó segundo en la clasificación mundial de sencillos de la IFPI.
Finalmente, las compañías discográficas coreanas, a través de sus divisiones internacionales y esfuerzos de colaboración, como el que existe entre HYBE y Geffen que dio origen a Katseye, están utilizando con éxito el modelo coreano para crear artistas pop en los mercados latinoamericano, estadounidense, europeo e indio, basándose en el modelo de desarrollo coreano.
Todo esto sugiere que el K-Pop ha evolucionado hasta convertirse en un modelo que no solo crea artistas coreanos de alcance mundial, sino que también puede aplicarse al desarrollo y la gestión de artistas pop en todo el mundo, y en un modelo que se ha convertido en una forma única de propiedad intelectual.
¿Y qué papel desempeña la IA en el K-Pop?
Hasta ahora, la IA no ha tenido mucha relevancia y, desde el punto de vista de la IA generativa, espero que siga sin tenerla. Sin embargo, al igual que en otros mercados, muchos aspectos administrativos relacionados con el marketing y el lanzamiento del K-Pop pueden agilizarse mediante la IA operativa.
La IA operativa puede optimizar la traducción, la comunicación con los fans, el subtitulado, analizar y responder a la demanda en diferentes mercados, mejorar los metadatos, identificar audiencias emergentes, gestionar múltiples versiones de grabaciones y dar soporte a lanzamientos multilingües. Podría permitir a un artista comunicarse de forma más eficaz con sus fans en México, Indonesia, Francia y Estados Unidos sin necesidad de recrear manualmente cada contenido.
El gobierno coreano ya está incorporando la IA a su estrategia cultural internacional, incluyendo sistemas diseñados para analizar los medios de comunicación y la opinión pública en el extranjero, y un aspecto clave de este uso es la percepción pública en torno a la música.
En cuanto a la IA generativa, si bien existen experimentos con grupos de ídolos virtuales como MAVE: y Eternity , composición musical asistida por IA y avatares virtuales, el éxito del K-Pop se debe a la conexión que el público establece con artistas y experiencias reales, algo que la IA no puede replicar.
Es importante recordar que la razón por la que artistas coreanos de éxito mundial como BTS, BLACKPINK, G-Dragon, Red Velvet, 2NE1, CL y muchos otros se convierten en fenómenos mundiales es porque son humanos, y los fans establecen conexiones humanas con estos artistas, algo difícil de replicar con la IA generativa.
En definitiva, la IA se utilizará como se utiliza en otros países: para eliminar obstáculos y generar eficiencia, para que la creatividad humana sea más fácil de descubrir, más accesible y más fácil de distribuir internacionalmente.
Parte VII: El K-Pop es un sistema, no una fórmula secreta.
El K-Pop no conquistó el mundo porque los ejecutivos coreanos encontraran una progresión de acordes secreta, un paso de baile superior o un algoritmo para crear jóvenes artistas atractivos. Triunfó porque la industria no colapsó; se recalibró y construyó un sistema completamente nuevo sobre las cenizas del modelo anterior.
[Fuente]
https://syncsummit.com
