Las 101 mejores bandas sonoras de todos los tiempos

Protagonizada por Prince, los Beatles, Eminem y muchos más.

Desde Elvis bailando con el uniforme de prisión en  Jailhouse Rock  hasta Prince subiendo a Apollonia a la parte trasera de su bicicleta en  Purple Rain, el rock & roll y las películas han sido inseparables durante casi 60 años. Al hacer esta lista, incluimos álbumes de bandas sonoras creados en torno a canciones originales (¡hola,  Superfly! ) así como recopilaciones seleccionadas por expertos (te vemos, Quentin); algunas bandas sonoras geniales presentan melodías nuevas, otras son mixtapes geniales. Y aunque las grandes películas y las grandes bandas sonoras pueden ir de la mano ( A Hard Day’s Night ), a veces una película mediocre está llena de melodías históricas, por lo que la calidad real de la película en cuestión no fue una consideración importante.

Antes de pasar a la lista, un par de advertencias. No incluimos ninguna banda sonora original de películas ni de musicales. Son categorías diferentes con sus propias historias. Nos limitamos a colecciones de canciones que pueden destacarse fuera de la película y funcionar por sí solas como grandes LP, permaneciendo inextricablemente integradas en la película a la que pertenecen, pero teniendo una vida fuera de ella.

101. ‘The Bodyguard’ (1992)

Vale, es cierto que la segunda mitad de este disco es en su mayor parte basura. ¿Podemos interesarte en dos canciones de Kenny G, una versión dance-pop de Bill Withers y algo de Joe Cocker de los ochenta sobreproducido? Sin embargo, este monolito 18 veces platino se erige como uno de los 10 álbumes más vendidos de todos los tiempos por una razón. Esa sería la cara A, 26 minutos de la talentosa voz de Whitney Houston, única en su generación, anhelando (“I Have Nothing”), moviéndose (“I’m Every Woman”), sufriendo (“Run to You”), haciendo hard-rock (“Queen of the Night”) y cantando gospel (“Jesus Loves Me”). Y, por supuesto, está “I Will Aways Love You”, un crescendo bravucón que conquista el mundo y que alcanza su punto máximo con lo que probablemente sea el cambio de tonalidad más emblemático de la historia del pop.

100. ‘I’m Not There’ (2007)

¿Qué es más ambicioso que la película biográfica no lineal de Todd Haynes , en la que seis actores diferentes interpretan papeles dispares de la personalidad creativa de Bob Dylan? ¿Qué tal una banda sonora de dos CD (más larga que la propia película) con un quién es quién de los rockeros independientes que interpretan el catálogo de Zimmy? Sonic Youth hace un scuzz and fuzzing en la canción principal, Cat Power hace una versión bluesera de “Stuck Inside of Mobile With the Memphis Blues Again”, Yo La Tengo aporta un crunch de baja fidelidad a “I Wanna Be Your Lover” y Anohni and the Johnsons se elevan a través de “Knockin’ on Heaven’s Door” con su mezcla inimitable de fragilidad y audacia. Se armó una especie de banda de la casa con miembros de Sonic Youth, Wilco, Television y Medeski, Martin and Wood, lo que permitió que luminarias como Eddie Vedder, Karen O y Stephen Malkmus se volvieran eléctricos junto con algunos de los mejores.

99. ‘Sing Street’ (2016)

Sing Street, una de las pocas piezas de la época de los ochenta que realmente logra encajar en la banda sonora, muestra la era de John Hughes como un lugar apropiadamente incómodo para encontrar el equilibrio en lugar de una oda guiños a los cubos de Rubik y los cortes de pelo de Flock of Seagulls. Con la ayuda de la colección de discos de su hermano mayor, el enamorado irlandés Conor Lalor (Ferdia Walsh-Peelo) comienza a recorrer un camino hacia la gloria de la nueva ola. Las canciones originales de Sing Street son, de hecho, apropiadas para la época y aparecen entre algunos de los mayores éxitos del synth-pop de la época: «Rio» de Duran Duran, «Steppin’ Out» de Joe Jackson, «Pop Musik» de M y «Maneater» de Hall and Oates.

98. ‘Do the Right Thing’ (1989)

“Fight the Power” de Public Enemy resuena en el equipo de música de Radio Raheem desde su introducción en Do the Right Thing hasta su trágico final: la mejor canción de protesta de una generación que sirve como quizás el mayor leitmotiv en la historia del cine. Pero el barrio de Bed-Stuy de Do the Right Thing late con mucho más que una ira justificada. Mookie podría doblar la esquina para escuchar el New Nack Swing de Guy (“My Fantasy”), el go-go de EU (“Party Hearty”), el roots reggae de Steel Pulse (“Can’t Stand It”), las armonías vocales de Take 6 (“Don’t Shoot Me”), las baladas R&B de Al Jarreau (“Never Explain Love”) y el brillante pop latino de Rubén Blades (“Tu Y Yo”).

97. ‘Velvet Goldmine (1998)

Dado que Brian Slade, el icono ficticio del glam rock en el corazón de Velvet Goldmine , estaba claramente basado en David Bowie, la decisión de Bowie de vetar el uso de su música en la película podría haber sido desastrosa para el director Todd Haynes. Pero en lugar de eso, Haynes y los coproductores de la banda sonora Randall Poster y Michael Stipe reclutaron a un equipo de ensueño de rockeros inspirados en Bowie, y otros empapados del brillo y la crudeza de principios de los setenta, para proporcionar una solución alternativa más que adecuada. Los excéntricos del art-punk Shudder to Think evocaron brillantemente la era de Ziggy Stardust en «Hot One» y «Ballad of Maxwell Demon», mientras que Venus in Furs, liderada por Thom Yorke y Jonny Greenwood de Radiohead, habitaron expertamente el campamento superior de Bryan Ferry en un puñado de versiones de Roxy Music. Por otra parte, Wylde Rattz, un supergrupo que incluye a miembros de Stooges, Sonic Youth y Mudhoney, respaldó a su coprotagonista, Ewan McGregor, encarnando a Iggy, en una estridente versión de «TV Eye», que devolvió a la vida los aullidos de la era proto-punk.

96.‘Less Than Zero’ (1987)

El acompañamiento de audio de 
Less Than Zero , la adaptación de 1987 de la historia de Bret Easton Ellis sobre el libertinaje en Los Ángeles alimentado por las drogas que hizo su carrera, también sirvió como un álbum de recortes del creciente imperio musical de Rick Rubin. Muchos de los nombres principales de la lista de Def Jam aparecieron, incluyendo LL Cool J, cuyo clásico temprano «Going Back to Cali» apareció por primera vez aquí; Public Enemy, debutando con el icónico «Bring the Noise» antes de que luego diera paso a 
It Takes a Nation of Millions to Hold Us Back ; y Slayer, presentando una versión furiosa de «In-A-Gadda-Da-Vida» de Iron Butterfly. El arma secreta improbable: Glenn Danzig, quien interpretó una canción de amor original al estilo de los años cincuenta («You and Me (Less Than Zero)») con su Power and Fury Orchestra, una versión naciente de la banda Danzig, y escribió otra para uno de sus ídolos vocales, Roy Orbison («Life Fades Away»).

95.‘Pi’ (1998)

¿Qué mejor forma de ponerle banda sonora al matemático Max Cohen, que pierde el control de la realidad, que con los sonidos de los años 90, en los que las matemáticas se encontraron con la locura? El techno, el drum & bass, el trip-hop y, especialmente, la llamada música de baile inteligente. La banda sonora del debut de Darren Aronofsky, Pi (algunas canciones están en la película, otras no) palpita y se convulsiona con sonidos de última generación: el ansioso salto de Roni Size remezclado por Ed Rush y Optical, una turbia pieza de ambiente subterráneo de Massive Attack, un latido gélido de GusGus y Banco De Gaia, que convierte el agua que gotea en un éxito explosivo. Sin embargo, lo más importante es el desafiante trabajo de dos íconos de la IDM. “Kalpol Introl” de Autechre combina mundos sonoros que zumban y sisean, y “Bucephalus Bouncing Ball”, la alucinante canción de Aphex Twin, permite que los destellos se aceleren como si estuvieran afectados por la gravedad. 

94. ‘Romeo + Juliet’ (1996)

La audaz versión de Shakespeare de mediados de los noventa de Baz Luhrmann , que trasladaba la acción desde Verona, Italia, al crudo entorno actual de la imaginaria Verona Beach, California, nunca podría haber funcionado sin una banda sonora que pareciera igualmente contemporánea. La sensual “#1 Crush” de Garbage, con influencias del trip-hop, estableció el tono perfecto de amor desventurado con su estribillo portentoso de “I would die for you” (Moriría por ti), y “Local God” de Everclear (“Will you be my Romeo?/My go-go Romeo?”) agregó un elemento de actitud burlona al estilo de 120 Minutes , mientras que “Lovefool” de los Cardigans irradiaba una elegante felicidad de pop chicle. El resto de las pistas iban desde los delirios drogados de “Whatever I Had a Dream” de Butthole Surfers hasta el romance operístico de “Kissing You” de Des’ree, transmitiendo la asombrosa habilidad de Luhrmann para unir el hedonismo y el arte elevado.

93. ‘Footloose’ (1984)

Un triunfo indeleble del AOR, Footloose logró colocar siete de sus nueve temas en el Billboard Hot 100, un fenómeno pop que se produjo en lo que puede ser el mejor año del pop. El tema principal de alto octanaje de Kenny Loggins se convirtió en su único número uno, y fue seguido más tarde esa primavera por “Let’s Hear It for the Boy” de Deniece Williams. La lista de éxitos dudosamente sobreproducidos es asombrosa. Mike Reno de Loverboy y Ann Wilson de Heart se unieron para un éxito de soft rock (“Almost Paradise”). Bonnie Tyler proporcionó la rimbombante banda sonora para Kevin Bacon jugando a la gallina con un tractor (“Holding Out for a Hero”). Shalimar anotó su último gran éxito (“Dancing in the Sheets”). La cantautora Karla Bonoff tuvo difusión en el género adulto contemporáneo (“Somebody’s Eyes”), y Loggins incluso hizo doblete en el Top 40 con “I’m Free (Heaven Helps the Man)”.

92. ‘Half-Cocked’ (1994)

Esta película indie granulada y sucia se desarrolla en medio de la explosión de math rock, post-hardcore y noise rock de mediados de los noventa, con muchos de los grandes protagonistas (Polvo, Unwound, Crain, Versus, Ruby Falls) haciendo cameos. A pesar de que la escena nunca coronó a una estrella emergente en la fiebre del oro posterior a Nirvana, los grupos disonantes, matemáticos y DIY documentados en la banda sonora terminaron influyendo en generaciones de bandas que usan la palabra «angular» en un comunicado de prensa. Ven a ver una instantánea de los creativos descontentos de los noventa, quédate para ver a los desconocidos como Big Heifer, Boondoggle y Dungbeetle.

91. ‘Until the End of the World’ (1991)

El director Wim Wenders le pidió a su elenco de colaboradores estelares que presentaran la música que pensaban que estarían haciendo dentro de 10 años. Nadie entendió la tarea mejor que U2, cuyo “Until the End of the World” nadó en la atmósfera de la era Achtung Baby del equipo de ingenieros de producción Daniel Lanois, Brian Eno y Flood, sin duda una influencia en los siguientes 10 años de música. Julee Cruse, Crime and the City Solution, Nick Cave and the Bad Seeds e incluso Depeche Mode evocan el espacio donde el noir de David Lynch se encuentra con los paisajes de carretera de Wenders. REM ofreció un lado B altísimo que se montó en la ola de su exitoso Out of Time, y los gigantes del krautrock reunidos Can proporcionaron percusión basura y armonías con tintes sudafricanos.

90. ‘Kids’ (1995)

Los chicos de 
Kids de Harmony Korine 
viven en algún lugar entre holgazanes y sociópatas, interpretados por no actores y filmados por Larry Clark en un estilo crudo y de cine verité. Para la banda sonora, Korine naturalmente eligió a la estrella de baja fidelidad Lou Barlow (Sebadoh, Dinosaur Jr.), quien contribuyó con ocho temas de su proyecto con el compositor John Davis. Con el nombre satírico Folk Implosion, su pequeño y vertiginoso scuzz-pop-motorik rezumaba distorsión, loops, texturas raras y múltiples samples de Silver Apples. En medio de todo eso, de alguna manera el fresco y aturdido «Natural One» se convirtió en un éxito del Top 40. The controversial 
Kids se convirtió en una sensación cultural tras su lanzamiento, abriendo el mundo más amplio no solo a Folk Implosion, sino también a las delicias intercambiadas en mixtapes de la banda sonora, como los héroes del math-rock Slint, el ícono del pop outsider Daniel Johnston y el peludo Sebadoh de Barlow.

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