La industria musical atraviesa un momento decisivo: contratos más complejos, nuevas reglas del streaming, inteligencia artificial sin regulación clara y artistas que deben entender—más que nunca—cómo proteger su obra, su marca y sus ingresos. En una conversación con Música Latina, la abogada Mara José Suárez, especializada en derechos y asesorías de autor y propiedad intelectual, asesora de productores de la industria, ofreció una radiografía completa de las dinámicas legales que marcarán el 2025 y 2026.
A través de su experiencia en la industria, la experta explicó los puntos críticos que artistas, managers y productores deben dominar para no perder control sobre su música ni sobre los negocios que se generan alrededor de ella.
¿Cuáles son esas cláusulas que debe revisar un artista en un contrato? Hablemos del 2025, lo que viene ya próximo para el 2026 y específicamente de esos ingresos que hoy por hoy se dan en streaming.
Lo más importante para que un artista tenga en cuenta a la hora de firmar con un sello, con una distribuidora o con una agregadora es que las cláusulas sean muy claras, que se las hayan explicado, que sean transparentes para él y que pueda tener control sobre toda la data y el movimiento de sus canciones y presentaciones. Además, debe poder auditarlas y ver cómo se comportan en la industria para comparar los ingresos provenientes de streams o de las reacciones de los fans.
¿Cuáles son las diferencias entre los contratos 360° actuales y los que se firmaban hace una década?
Hace una década existía un factor muy importante: se les ofrecía a los artistas la posibilidad de usar estudios de grabación para producir con altos estándares de calidad. Hoy eso ya no es necesario; cualquier persona puede grabar una canción con calidad profesional desde su casa o incluso desde su celular.
Esto cambia completamente la negociación: ya no es indispensable contar con una disquera para grabar un producto musical.
Lo que sí importa es que el contrato esté hecho a la medida del artista en temas de marketing, tours, merch… y que el sello ofrezca un valor añadido. El artista ya tiene el producto; ahora ellos deben justificar por qué van a recibir un porcentaje de sus ganancias. Antes era solo por grabar.
¿Por qué muchos artistas no reciben regalías?
En los contratos antiguos se pactaban contraprestaciones por honorarios: se les pagaba una suma única por grabar una canción y ahí terminaba todo. Eran pagos importantes, sí, pero el artista no quedaba con ningún tipo de derecho ni regalía.
Hoy el panorama es distinto: el artista llega con el producto listo y lo que ofrece el sello o la distribuidora es subir, promocionar y distribuir la canción, además de buscar opciones de monetización.
Ahí es cuando entran los porcentajes. Antes no quedaban regalías porque todo se cerraba con un fee único o un anticipo grande. Hoy es clave un anticipo y puntos de regalías.
¿Cómo negociar porcentajes justos en los acuerdos de distribución digital, especialmente para independientes?
La industria tiene estándares comunes de negociación, generalmente entre el 15% y el 30% para el artista. Pero no es una obligación. Todo depende de cuánto aporte cada parte.
Si el artista aporta un fonograma terminado con alta calidad y el sello o distribuidora ofrece un plan de marketing importante, se pueden negociar los porcentajes. Pero —y esto es importante— la industria sí maneja rangos estándar a los que conviene no salirse demasiado.
¿Qué responsabilidad tiene un estudio o productor si usa herramientas de inteligencia artificial en obras comerciales?
Tiene todas las obligaciones y todas las alertas rojas. Al usar IA, debe garantizar que no está infringiendo ni utilizando material de terceros.
Si el productor hace una obra por encargo, tanto el artista como la disquera deben asegurarse de que él se comprometa a salir en su defensa si se usaron herramientas de IA que vulneren derechos de terceros.
Hablemos de las librerías y bancos de IA: ¿de dónde toma la música?
Existen librerías que han regularizado el uso de música, voces y obras de terceros mediante negociaciones millonarias con editoras, disqueras y artistas. Ellos permiten alimentar los programas de IA con obras y fonogramas de manera legítima.
¿Qué debo saber sobre los derechos de sincronización?
El derecho de sincronización es uno de los derechos patrimoniales más tangibles para un artista o autor. Permite recibir una remuneración inmediata y posicionar una obra o un artista.
La sincronización —unir imagen con sonido— en productos audiovisuales como plataformas, televisión o redes sociales da una vitrina enorme.
Ha pasado con series como Stranger Things, que revivió música de los 80. También ocurre con novelas o producciones modernas que posicionan canciones actuales.
No hay que desechar sincronizaciones, aunque sean económicas: si el producto se distribuye globalmente, generará regalías y exposición.
¿Cómo proteger la marca personal del artista y su merchandising en diferentes mercados?
El artista debe escoger un nombre característico, representativo, registrable y registrarlo en los países donde crea que tendrá mayor impacto. También puede registrar un logo, letras de canciones, marcas mixtas y elementos adicionales que nutran su imagen artística.
Debe aprovechar todas las vías de protección: marcas, derechos de autor, propiedad industrial y propiedad intelectual.
¿Cuáles son las cláusulas importantes que deben tener los contratos de artistas y managers hoy en día?
Las renovaciones y la duración deben estar atadas a resultados. El artista no debe quedar amarrado a un contrato perpetuo donde el manager gane sin gestionar.
Y para el manager, si quiere comprometerse, es razonable que pacte exclusividad; no es viable manejar a un artista que tenga cinco managers al mismo tiempo.
Lo más importante: la comisión y la auditoría.
¿Cuál es el consejo para los artistas emergentes?
Las políticas de la industria cambian constantemente. El principal consejo: construir comunidad.
Un artista puede tener un catálogo excelente, millones de streams y gran calidad, pero si no construye una base de fans que vaya a conciertos y respalde sus productos, no habrá crecimiento real.
Cada año se suben cerca de 60 millones de canciones a plataformas. No se trata solo de subir música, sino de construir comunidad.
Cuando una disquera ve a un artista con fans consolidados, ofrece mejores anticipos y mejores porcentajes de regalías. Ese es el camino.
Asesora de autores, artistas y productores musicales.
Abogada, muchas gracias por acompañarnos en Música Latina. Gracias por conversar sobre derechos de autor y conexos. Esperamos tenerla de regreso.
Juliana Loaiza – Periodista
