PREGUNTA: ¿Puede una cultura estar impregnada de música mientras los músicos se vuelven económicamente prescindibles? La respuesta parece ser un rotundo «sí». De hecho, esa podría ser la contradicción fundamental de la industria musical moderna. Ya hemos superado la etapa de la mercantilización de la música.
La música está por todas partes. Suena en tiendas, restaurantes, gimnasios, oficinas, películas, programas de televisión, videojuegos, podcasts, redes sociales, salas de espera y ascensores. Nos despierta, nos ayuda a trabajar, nos vende productos, regula nuestro estado de ánimo y llena cualquier silencio incómodo. Consumimos más música, en más lugares y durante más horas al día, de lo que ninguna generación anterior hubiera podido imaginar.
Sin embargo, a quienes crean esa música se les trata cada vez más como si fueran meros figurantes en el proceso.
La economía moderna demanda música constantemente, pero no necesariamente músicos. Los músicos tienen necesidades, opiniones, alquiler, problemas de salud, gastos de equipo y la molesta expectativa de que su trabajo deba ser remunerado. Los archivos de música no tienen esas exigencias. Se pueden almacenar, copiar, reproducir en streaming, licenciar, redistribuir e incluir en listas de reproducción sin preguntarse quién se beneficia.
La industria ha aprendido a separar el valor de la música del valor de la persona que la creó. La música sigue siendo culturalmente esencial, pero a los músicos se les dice que son reemplazables.
Esa separación no es casual. Es el modelo de negocio. Esto es lo que sucede cuando tu producto es escalable, pero tu plantilla no lo es.
Las plataformas de streaming necesitan un suministro inagotable de grabaciones. Las redes sociales necesitan sonidos que mantengan a los usuarios enganchados. Los anunciantes necesitan música para generar emociones en torno a sus productos. Los locales necesitan artistas para atraer clientes. Las empresas tecnológicas necesitan trabajo creativo para entrenar sistemas que generen aún más trabajo creativo. Todos necesitamos música, pero cada parte del sistema está diseñada para minimizar la remuneración del músico.
El artista es esencial hasta que llega la factura.
Así es como una industria puede celebrar ingresos récord mientras los músicos trabajan como repartidores entre conciertos. Así es como una plataforma puede anunciar miles de millones de dólares en pagos mientras miles de artistas debaten si pueden permitirse terminar su próximo álbum. Así es como un local puede depender de la música en vivo para crear ambiente, definir su identidad y aumentar las ventas del bar, mientras que ofrece a la banda menos de lo que cuesta el transporte.
Su valor es visible en todas partes, excepto en el extracto bancario del músico.
El lenguaje utilizado para describir este sistema suele ser deliberadamente optimista. Los músicos tienen “oportunidades”, obtienen “visibilidad”, tienen acceso a “herramientas poderosas” y se les anima a “crear comunidad”, “conquistar a su público” y “pensar como emprendedores”.
Traducido al lenguaje común, esto suele significar: trabajar más, asumir más riesgos, gastar más dinero propio y no esperar que nadie garantice un resultado. Como persona que se ha dedicado al desarrollo artístico y al departamento de A&R de sellos discográficos, no se me escapa la ironía de que el riesgo quizás no compense la recompensa.
Se espera que el músico esté siempre disponible y sea permanentemente optimista. Graba más canciones. Haz más vídeos. Publica con más frecuencia. Genera. Transforma. Optimiza. Responde a más comentarios. Revela más de tu vida. Alimenta las plataformas con suficiente material para mantenerte visible, pero nunca te preguntes por qué la visibilidad se ha convertido en un producto que debes comprar continuamente.
El sistema no solo paga menos de lo debido a los artistas, sino que los condiciona a considerar la precariedad salarial como algo normal.
A los músicos se les dice que nadie les debe una carrera. Esto es cierto en el sentido más literal, pero inútil en cualquier otro sentido. Nadie tiene el éxito garantizado, pero una economía aún puede juzgarse por las condiciones que crea para las personas cualificadas que intentan realizar un trabajo serio.
No calificaríamos de saludable a la industria de la restauración simplemente porque la gente comiera más mientras que la mayoría de los cocineros no pudieran permitirse comprar alimentos. No celebraríamos los ingresos récord de la construcción si se esperara que la mayoría de los constructores aportaran sus propios materiales y mano de obra a cambio de visibilidad. La música recibe un trato diferente porque la sociedad idealiza el sacrificio artístico y da por sentado que la pasión puede sustituir a la remuneración.
La pasión es útil para la industria musical porque las personas apasionadas toleran arreglos que las personas racionales rechazarían.
Un músico puede pasar años aprendiendo un instrumento, décadas desarrollando su voz y miles de dólares produciendo una grabación. El tema finalizado llega al mercado, donde compite con prácticamente todas las grabaciones jamás publicadas, miles de temas nuevos que aparecen cada día y, cada vez más, música que se puede generar sin la intervención de un músico.
A continuación, se le comunica al artista que el hecho de no haber logrado el éxito esperado se debe a un problema de imagen de marca.
Esta es una de las características más crueles del sistema actual. El exceso de oferta estructural se presenta como una deficiencia personal. Si la música desaparece, el artista no publicó suficiente música. Si la gira genera pérdidas, el artista no generó suficiente demanda. Si la audiencia no crece, el artista no logró dominar el algoritmo.
Siempre hay una nueva estrategia que aprender, una nueva plataforma a la que unirse y un nuevo consultor dispuesto a explicar por qué fracasó la estrategia anterior.
Mientras tanto, la estructura económica básica permanece inalterada. El músico aporta el trabajo, el capital y el riesgo. Las industrias relacionadas cobran honorarios.
La inteligencia artificial pone de manifiesto esta contradicción. La promesa no se limita a que las máquinas ayuden a los músicos a crear. La tentación comercial reside en que, con el tiempo, las empresas puedan obtener música sin tener que tratar directamente con los músicos.
Sin negociaciones. Sin horarios. Sin disputas sobre regalías. Sin malos humores. Sin preguntas incómodas sobre propiedad, consentimiento o pago.
Desde cierta perspectiva empresarial, el músico ideal no es un creador humano con autonomía que utiliza nuevas herramientas. Es un proceso de software que genera sonido utilizable a demanda y carece de validez legal. Las máquinas son trabajadoras obedientes (léase: silenciosas).
Por eso, el debate sobre la IA no puede reducirse a si la tecnología es «buena» o «mala». La cuestión fundamental es quién obtiene poder de negociación. Si la IA ayuda a los músicos a trabajar de forma más eficiente, manteniendo la propiedad y el control, puede ser una ayuda. Si permite a las empresas imitar, reemplazar o perjudicar a los músicos cuyo trabajo contribuyó al desarrollo de la tecnología, se convierte en otro mecanismo para extraer valor de los artistas, eliminándolos de la transacción.
El peligro no reside en un futuro sin música. Habrá más música que nunca.
El peligro reside en un futuro donde la música se vuelva prácticamente infinita, mientras que el número de personas capaces de dedicar su vida a crearla disminuya, aumente su poder adquisitivo y se vuelva culturalmente más limitado. Quienes cuenten con recursos económicos familiares, apoyo institucional, estabilidad heredada o un público masivo ya establecido continuarán. Los demás se dedicarán a la música de forma paralela a otros trabajos hasta que el tiempo, el agotamiento o la economía acaben imponiéndose.
Eso no eliminaría la creatividad. Los seres humanos siempre harán música.
Eso eliminaría el acceso a una vida creativa sostenible.
El resultado sería una cultura con un sonido ilimitado y una experiencia menguante. La música podría volverse técnicamente pulida, perfectamente dirigida y generada instantáneamente, pero cada vez más desvinculada de las comunidades, la lucha, el lugar, la memoria y la lenta acumulación de una perspectiva humana.
Puede que a la industria no le importe. El contenido no necesita una infancia. La música de fondo no necesita convicciones. Un algoritmo no necesita sobrevivir el tiempo suficiente para grabar un segundo álbum.
La cultura debería preocuparse.
Los músicos hacen mucho más que crear grabaciones terminadas. Crean un lenguaje para emociones que la gente no puede articular. Documentan lugares, generaciones y comunidades. Preservan tradiciones, inventan otras nuevas y ofrecen a los desconocidos un punto de encuentro.
Si los músicos desaparecen de la vida pública, no solo perdemos productos. Perdemos testigos. La sociedad pierde un espejo en el que mirarse a sí misma.
Una cultura que consume música constantemente a la vez que imposibilita la vida musical no apoya las artes, sino que las explota sin piedad.
Se toman décadas de creatividad humana acumulada, se convierte ese trabajo en datos, se catalogan activos y se genera contenido desechable, y luego se le dice a la próxima generación de músicos que deberían estar agradecidos por tener acceso a la plataforma.
Los estantes (virtuales) están llenos. Las listas de reproducción son interminables. La música suena por todas partes. Pero quienes crean la música, cuidan cada detalle y esperan lo mejor, han sido excluidos de su propia industria debido a los altos precios, tal vez para siempre…
[Fuente]
https://www.digitalmusicnews.com
