Frederic Schindler , supervisor musical y fundador de la empresa de supervisión musical Too Young Ltd. y de la plataforma de licencias Catalog. Fue nombrado Supervisor Musical del Año 2025 por la Asociación de Música Independiente.
En el mundo de los medios visuales y más allá, lo «gratis» es lo más caro que existe. Y su primo hermano, lo «fácil», es un cómplice peligroso.
En pocas palabras, la licencia de sincronización es el proceso de encontrar, obtener permisos y pagar para combinar una pieza musical con medios visuales. Es la canción que suena en la escena final de una película, el tema que impulsa una campaña publicitaria global y el ritmo que impulsa un video viral de TikTok o la acción de un videojuego. Es la banda sonora de nuestros feeds, pantallas y cultura.
Durante años, he hablado abiertamente sobre el sistema de sincronización roto y la necesidad urgente de que este sector se digitalice: el control de acceso, las cadenas de correo electrónico interminables y los procesos manuales arcaicos, las oportunidades de emparejamiento perfecto que mueren incluso antes de nacer.
Es un sistema tan ineficiente que ha creado su propia solución de mil millones de dólares: un mundo sin fricciones y con gratificación instantánea de música de archivo, imitaciones y estudios a medida que imitan las referencias lo suficientemente cerca como para ser eficaces, pero lo suficientemente lejos como para evitar consecuencias legales.
A primera vista, es un triunfo de la comodidad. Por una tarifa módica, consigues una pista. Sin abogados, sin retrasos, sin complicaciones. Se siente gratis. Se siente fácil.
Pero ¿cuál es el verdadero coste de esta comodidad?
El primer costo es financiero y es asombroso. La industria de la música de stock es ahora un gigante de 1.300 millones de dólares y se espera que crezca hasta alcanzar los 2.800 millones de dólares para 2030. Para ponerlo en perspectiva, el negocio global de las discográficas generó tan solo 650 millones de dólares con la sincronización el año pasado.
Sí, los Beatles, los Rolling Stones, Lou Reed, Beyoncé, John Coltrane y toda la destacada historia pasada y presente de la música grabada en conjunto generaron menos ingresos que la música creada oportunistamente para los medios visuales.
Un mercado basado en pistas genéricas y anónimas duplica los ingresos por sincronización de los artistas y sellos que amamos. Esto no es solo una ineficiencia del mercado; es una transferencia colosal de riqueza de nuestra cultura musical a plataformas que venden fondos de pantalla sónicos.
Pero el daño es más profundo que la pérdida de ingresos. La proliferación de plataformas basadas en suscripción y sin regalías ha introducido un modelo pernicioso que se aprovecha de artistas y productores. Es el modelo de “buffet libre” aplicado a la sincronización.
Así como las plataformas de streaming condicionaron a una generación a percibir las canciones individuales como si tuvieran un valor monetario casi nulo, estas plataformas de sincronización hacen lo mismo con las producciones. Convierten la música en un producto en masa al ofrecer sincronizaciones ilimitadas por una tarifa mensual fija.
Estas plataformas suelen operar bajo el sistema de trabajo por encargo, exigiendo a los artistas que cedan sus derechos a cambio de un pago único. El consentimiento se convierte en una transacción, y el artista pasa de ser un titular de derechos a un trabajador temporal en una cadena de montaje de sonido, produciendo contenido en masa según instrucciones y tendencias del mercado de la sincronización.
Cada vez que una producción opta por la opción “fácil”, es un voto para afianzar este modelo explotador y desfinanciar a los artistas que decimos admirar.
El segundo costo es cultural. La sincronización es, o debería ser, un motor de descubrimiento. Es la canción perfecta en una escena crucial que te sumerge en un mundo fascinante, presentándote a tu próximo artista o escena musical favorita. La canción en un anuncio define un momento y captura el espíritu de la época.
Piensen en “Running Up That Hill” de Kate Bush en “Stranger Things”. Esta única aparición no solo definió la lucha de un personaje, sino que resucitó una obra maestra de 37 años para una generación completamente nueva, encabezando las listas de éxitos mundiales.
Ese es el poder que estamos perdiendo. Esa es la oportunidad que estamos desaprovechando. Pero ¿con qué frecuencia ocurre esto ahora? Considere la enorme cantidad de medios que consumimos a diario: el fondo de un anuncio de 15 segundos en redes sociales, la introducción de un podcast, la música de espera en una línea de atención al cliente, el avance de esa nueva serie en Netflix …
Cada espacio podría estar musicalizado con arte, pero está abrumadoramente repleto de funcionalidad. Este patrimonio cultural es uno de los más valiosos del mundo, pero cada vez lo llenamos más con el equivalente musical de la pintura gris.
Estamos reemplazando momentos de descubrimiento potencial con imitaciones olvidables, optimizadas algorítmicamente y sin alma. Esta lenta y progresiva erosión de la calidad está creando un panorama mediático visual más insulso y menos resonante para todos nosotros.
[Seguir leyendo]
https://www.musicbusinessworldwide.com/
