A medida que se expanden las principales alianzas de transmisión en vivo, los festivales de música están evolucionando, pasando de ser eventos en vivo a convertirse en empresas de medios monetizables que operan durante todo el año.
Para los aficionados a la música, la retransmisión en directo de un festival de música siempre se ha considerado una forma de extender la influencia del festival a aquellos que no pudieron asistir, ya sea por motivos geográficos o económicos.
Una señal de cámara adicional para generar un poco de miedo a perderse algo (FOMO) entre los aficionados. ¿No hay nada de malo en eso?
Pero hoy en día, vemos cómo muchos festivales quiebran, cómo los patrocinadores financieros se retiran o cómo se ven obligados a superar nuevos límites en la recaudación de fondos para poder subsistir, además de que las entradas quedan sin vender en una economía particularmente volátil. Todo esto deja a los festivales de música en la difícil situación de tener que buscar desesperadamente fuentes de ingresos adicionales para sobrevivir.
La transmisión en directo solía ser un regalo adicional para la comunidad digital global de un festival, pero ahora el contenido digital está cambiando para convertirse en una de las fuerzas impulsoras de la curación de actuaciones, el diseño de producción y los fundamentos técnicos de un festival de música .
Este verano, Disney+ se une a Hulu para transmitir en directo los festivales Bonnaroo, Lollapalooza y Austin City Limits a nivel mundial, ampliando así su oferta de streaming, hasta entonces centrada principalmente en Estados Unidos, a un producto de entretenimiento internacional. Las transmisiones no se limitarán a mostrar actuaciones, sino que también incluirán entrevistas con los artistas, contenido entre bastidores y programación producida por el festival, diseñada específicamente para quienes la vean desde casa.
Es otra señal de que los festivales de música están evolucionando hacia algo mucho más grande que simples eventos en vivo de varios días. Se están convirtiendo en un nuevo tipo de empresa de medios.
Y esto es solo el principio. Estas tres alianzas siguen consolidando la actuación en directo como el elemento central del evento: el público está presente y el artista actúa para él. Esto representa una extensión del acuerdo de adquisición de derechos televisivos para la retransmisión de eventos en directo, como hizo la BBC con el Festival de Música de Glastonbury en 1994.
Durante la pandemia de COVID-19 en 2020, Glastonbury se celebró íntegramente en línea y por televisión debido a las medidas de confinamiento.
Según la teórica cultural Leanne Weston , que escribe para CST Online :
La función y el entendimiento típicos de la cobertura de Glastonbury por parte de la BBC, que consisten en representar la experiencia de “estar allí”, se ven aún más reforzados. De este modo, parte del trabajo cultural realizado por la cobertura de 2020 consiste en abordar las múltiples formas de pérdida y carencia —la falta de asistencia, la ausencia del evento y la (aparente) falta de una alternativa—, ofreciendo al público maneras de conectar o reconectar con Glastonbury como lugar y símbolo cultural. Los imperativos subyacentes de servicio público de la cobertura son claros: contribuyen a prácticas culturales más amplias que unen a la nación en tiempos de crisis, al tiempo que reafirman su posición mediante una reinterpretación de su historia, lograda a través de imágenes de Glastonbury reutilizadas.
Weston escribe que el modelo de transmisión dominante del pasado, y que incluso se mantuvo durante la crisis mundial de la pandemia de COVID-19, se basaba en satisfacer la “falta”: la ausencia del público en general en lo que se considera un importante evento cultural compartido. Quienes asisten a estos eventos suelen ser considerados privilegiados, de forma oportunista.
Pero a medida que el futuro comienza a revelarse a través de asociaciones de marketing de contenidos como estas, que plantean un nuevo criterio de privilegio en el acceso mediante suscripción de pago y, por lo tanto, una nueva comprensión de lo que es el “producto” en la transacción del consumo de entretenimiento, debemos asumir que esto algún día cambiará la naturaleza de los festivales de música para entonces atender ante todo a una audiencia digital.
Como escribe Graeme Thomson en este artículo para The Spectator : “La retransmisión televisiva de Glastonbury ha cambiado el festival y, a su vez, ha transformado la televisión”. No puedo imaginar que no ocurra también lo contrario.
Un festival que recibe a 70.000 asistentes puede llegar de repente a millones de espectadores en todo el mundo sin necesidad de añadir ni una sola persona a su recinto, y la audiencia ya no está limitada por la capacidad del lugar. Entonces, ¿por qué las empresas de medios siguen poniendo al público en directo en el centro de una experiencia diseñada para llegar a millones de espectadores en otros lugares?
En lugar de monetizar únicamente a quienes asisten físicamente, los festivales ahora pueden generar valor antes de que se abran las puertas, durante todo el fin de semana y mucho después del último bis.
Eso cambia radicalmente la economía. Las transmisiones en directo generan inventario publicitario, valor de suscripción, oportunidades de patrocinio, vídeos para redes sociales, contenido entre bastidores, entrevistas con artistas, material documental y años de contenido de archivo.
La transmisión en directo también se convierte en una herramienta de marketing para la venta de entradas del próximo año, recordando a los espectadores lo que se están perdiendo y, al mismo tiempo, brindando a patrocinadores y artistas una audiencia global. Cada transmisión prolonga la vida del festival más allá de un solo fin de semana.
Sin embargo, espero que este cambio no disminuya el valor de estar presente en persona, y que el público no empiece a priorizar el acceso sobre la asistencia. Una de las alegrías palpables que todos experimentamos en 2021 y 2022, cuando los eventos culturales a gran escala fueron lo suficientemente seguros como para volver a recibir público presencial, fue la sensación de que habíamos echado de menos esos momentos compartidos en el espacio público, de estar juntos entre la multitud, de vivir una experiencia en grupo.
Veremos cómo se desarrolla esto en las próximas ediciones de estos festivales. En definitiva, es positivo que hayan logrado sobrevivir a la ola de “fiebre del punto azul” que ha estado afectando al ecosistema de las giras musicales últimamente, al encontrar una nueva fuente de ingresos sostenible.
No estoy seguro de querer poder responder a la pregunta de “¿qué tienen en común Bonnaroo, Love Island y The Mandalorian?” con “puedes verlos todos en tu sofá en ropa interior”.
[Fuente]
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